SERIE -
CREATIVE VISIONS
Creative visions est une série de portraits dédiée aux artistes qui façonnent la scène culturelle. À travers des rencontres en tête-à-tête, souvent liées à une exposition ou à un moment clé de leur carrière, ce projet cherche à capturer ce qui se cache au-delà des œuvres exposées : le visage, la posture et l'intensité de ceux qui créent.
Chaque portrait est une conversation silencieuse entre le photographe et l'artiste — un espace où, l'espace d'un instant, quelque chose de l'approche, de l'engagement ou de la sensibilité qui traverse leur travail se révèle. Emmanuel Selva, Franz Baden Baden, Rodrigue Delattre et d'autres figures de la scène créative locale apparaissent ici non pas comme des sujets distants, mais comme des interlocuteurs dont le regard transmet déjà une part de leur art.
Prolongement naturel d'une pratique photographique socialement engagée développée depuis plus de dix ans, Visions créatives explore la place de l'artiste au sein de sa communauté locale : comment la créativité prend forme, comment elle circule, et comment un visage peut, parfois, en dire autant qu'une œuvre d'art.
FRANZ BADEN BADEN
J'ai rencontré Franz Baden Baden (connu sous le surnom de Sandy par ses amis) lors de son exposition personnelle « Douze Mois », présentée à la Galerie Fracas à Mons.
Artiste autodidacte, il explore le dessin, la sculpture, la customisation d'objets, l'upcycling de matériaux recyclés, la performance et l'art public avec une égale liberté.
« Douze Mois » a été conçu comme un voyage intime, organisé en cycles et structuré comme les saisons : un geste initialement impulsif, un dessin qui « ne cherche pas à illustrer, mais à libérer ». Oscillant entre des réinterprétations de dessins plus sombres et des pièces lumineuses inspirées par ses voyages en Grèce, entre des affiches déchirées où « le papier, déchiré, superposé et marqué par le temps, devient un médium de la mémoire » — « déchirer, c'est révéler ; superposer, c'est reconstruire » — le voyage s'est achevé dans un champ de fleurs, non comme une conclusion, mais comme un moment de répit.
C'est cette tension entre l'urgence du geste et le souffle retrouvé que j'ai cherché à capturer dans son portrait.
EMMANUEL SELVA
J'ai rencontré Emmanuel Selva à son exposition « État de lieu », présentée à la ThanksGalerie à Mons. Peintre, dessinateur et sculpteur, Manu crée depuis plusieurs années un univers peuplé de machines et de figures d'acier, où les humains et la technologie s'observent sans jamais vraiment se soumettre l'un l'autre.
Ce qui l'intéresse, ce n'est pas de contrôler les machines qu'il crée, mais de leur permettre d'avoir leur propre vie — les représenter plutôt que les asservir.
« C'est un instantané de l'état actuel des choses », me dit-il, faisant référence à cette future coexistence entre l'Homme et la Machine, avant de partager, avec la même sérénité désarmante, une citation de Picasso qui résume parfaitement son approche : « Il m'a fallu quatre ans pour peindre comme Raphaël, mais toute une vie pour peindre comme un enfant. »
C'est cette même retenue, ce même lâcher-prise, que j'ai cherché à capturer dans son portrait.
RODRIGUE DELATTRE
J'ai rencontré Rodrigue Delattre à son exposition « Silence complice », présentée au CAP — Musée des Beaux-Arts de Mons.
Son travail oscille entre la peinture, le dessin, le design graphique et la photographie, construisant un univers richement codifié peuplé de symboles contradictoires et de figures abstraites, dont certaines parties du corps sont dissimulées dans une grille de lignes. Cette abstraction ne cherche pas la neutralité : elle efface l'individualité pour mieux révéler la peur, la douleur et le côté obscur de l'existence humaine — tout en laissant délibérément le spectateur dans un état d'incertitude, pris entre des formes géométriques noires profondes et des espaces blancs.
Avec « Silence complice », organisée autour de quatre thèmes — la relation au savoir, à l'action, à la neutralité et à la reconstruction — Rodrigue Delattre examine notre rapport à la démocratie et aux excès autoritaires, refusant de « rester sans voix » face à des événements actuels profondément troublants. La peinture devient ainsi, selon les termes de la galerie qui l'expose, « un acte puissant de résistance ».
C'est cette retenue, imbue d'intensité, que j'ai cherché à capturer dans son portrait.
SIMON “MOSIN” CHAPELLE
J'ai rencontré Simon « Mosin » Chapelle à son exposition *Tronches de vie*, présentée à la Galerie Fracas à Mons. Formé au dessin à Mons, il a depuis marqué les murs de la ville — où l'on trouve sa fresque murale *Oh My God* — aussi bien que le papier, par des œuvres qui oscillent entre la bande dessinée et l'illustration. Un sujet l'a toujours hanté, quel que soit le médium : la vie, « celle qui laisse sa marque et ses traces, celle qui blesse ou illumine ».
Avec « Tronches de vie », une série de portraits développée dans une explosion de couleurs et de textures, Mosin rejette les visages lisses et la beauté standardisée. Ses sujets sont des « visages tordus, déformés par des émotions qu'une construction synthétique ne peut contenir, pas plus qu'une convention sociale ne peut dicter ».
C'est ce même désir de révéler la vie brute, non filtrée, que j'ai cherché à capturer dans son portrait.
